Ricordando la prima foto della Terra ripresa dalla Luna, pubblicata nel 1969, il fotografo Luigi Ghirri scriveva che quella non era “soltanto l’immagine del mondo, ma l’immagine che conteneva tutte le immagini del mondo: graffiti, affreschi, dipinti, scritture, fotografie, libri, film.” Un avvenimento che segnò profondamente la società e l’arte di quegli anni. Nel luglio del 2010 l’Agenzia Spaziale Europea ha diffuso la prima fotografia dell’intero universo che ne racchiude il passato, compreso il momento della creazione, il cosiddetto Big Bang. Gli scienziati potranno così compiere un viaggio a ritroso nel tempo, ripulendo l’immagine dai vari strati come si fa con il restauro di un quadro, fino ad arrivare a quella debole emissione di microonde prodotta dall’immane esplosione che 13,7 miliardi di anni fa ha dato inizio allo spazio, al tempo e alla materia. Un avvenimento epocale, passato sui mezzi di informazione senza troppa enfasi, con assoluta normalità. Il curatore francese esperto di new media Richard Castelli ha detto recentemente: “Il problema del nostro presente è che è così presente che sta uccidendo il futuro e ha quasi completamente ucciso la storia.” In questo contesto, l’eterno presente della fotografia dovrebbe trovare la sua massima espressione, ma, paradossalmente, sembra che l’immagine non sia più sufficiente per rappresentare la realtà e debba necessariamente ibridarsi con altre pratiche. Negli ultimi tempi si fa un gran parlare e ci si interroga sul futuro della fotografia, dividendosi equamente tra le novelle cassandre che ne decretano anzitempo la definitiva dipartita, gli ultra integralisti del dogma analogico e documentario ed i new-radical della postproduzione ad ogni costo. Il fotografo inglese Paul Graham, nel suo intervento al primo MoMA Photography Forum, sostiene che ci troviamo in un’epoca post documentaria in cui la posizione della cosiddetta “fotografia diretta nel mondo dell’arte ricorda la parabola di una comunità isolata, che si è sviluppata mangiando patate tutta la vita e nel momento in cui le viene presentata una mela, la considera irragionevole ed inutile, perché non ha lo stesso sapore della patata.”

Con questa sua quinta edizione, Rapallo Fotografia Contemporanea, piuttosto che avanzare soluzioni, prova a sollevare alcuni dubbi proponendo una riflessione sull’essenza stessa della Fotografia. La nuova serie di ritratti dell’artista olandese Charlotte Dumas, dedicata ai cani da lavoro, ci riporta ad una forma basica, secca e ripulita dell’immagine, più semplice solo in apparenza, perché ricca di riferimenti e risvolti sociali, del tutto simili alle dinamiche umane. Allo stesso modo, i sei autori della sezione Open Space, Bergantini, Crovetto, Garibotti, Leotta, Ligato e Positano, affrontano in maniera estremamente consapevole il tema del ritorno all’immagine in quanto tale. Cercare l’essenzialità non vuol dire in questo caso regredire ad uno stato primordiale, né ritornare ad un ipotetico giardino dell’eden. Piuttosto è concentrarsi sull’immagine in sé, senza aggiungere altro.

Andrea Botto
Direttore Artistico RFC

"Lavoratori di tutti i paesi, unitevi!". Recita così lo slogan più celebre del socialismo, tratto dal Manifesto del Partito Comunista. Senza bisogno di cambiare una parola, potrebbe anche funzionare per descrivere il processo che ha portato alla realizzazione di questa serie di fotografie di Charlotte Dumas. Non importa che l'artista abbia messo al centro di ogni inquadratura esclusivamente dei cani: il fatto è che tutti loro sono degni rappresentanti della categoria cui facevano riferimento Karl Marx e Friedrich Engels. Non possiedono nulla e si guadagnano da vivere prestando la propria forza lavoro nei settori più disparati, dalla caccia al soccorso, fino a svolgere incarichi di intrattenimento e di controllo. Prendono ordini da un padrone, ma la semplice fedeltà che dimostrano nei suoi confronti è sufficiente per modificarne il ruolo da schiavi in eroi. Così appaiono in queste immagini, fieri e risoluti, proprio come gli operai che nella prima parte del secolo scorso Lewis Hine ha ritratto in fabbrica o sulla cima dell'Empire State Building. Entrambi incarnano i valori del sacrificio, senza che questo debba necessariamente avvenire (il cane può faticare o giocare nel compiere le proprie mansioni) e a prescindere da qualsiasi teologia.

(...) "Mi sono sentito come un cane. Allora ho fatto questa scultura", ha dichiarato Giacometti dopo avere plasmato il profilo gocciolante del suo quasi-levriero nel 1951. E' paradossale che uno degli autoritratti più riusciti della storia dell'arte non assomigli per nulla al suo autore. In fotografia, d'altra parte, immortalare un animale significa mettere in pratica ogni volta una dinamica simile a quella dell'autoritratto, con la differenza che a parteciparvi non è soltanto colui che scatta l'otturatore, ma alternativamente ciascuno spettatore. Ciò che si legge nelle espressioni di questi cani, infatti, è soprattutto una proiezione del nostro pensiero. La loro eloquenza è, almeno in parte, quella di chi guarda. (...)

Francesco Zanot
estratto dal testo pubblicato in “Al lavoro!”
Fantombooks, Boiler Editions, Milano


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Sono disponibili 10 copie speciali del libro, firmate dall’artista e con “la zampa di Ursus”, il cane sulla copertina del libro.
Per acquistare: info@rapallofotografiacontemporanea.it

La mostra collettiva Open Space, riunisce i lavori di sei autori italiani che affrontano il tema del ritorno all’essenzialità dell’immagine: Simone Bergantini presenta "Astrazioni", parte del progetto Osservazioni sulla Fotografia, un ciclo di lavori il cui unico limite è il non utilizzo della macchina fotografica. La serie “Ritratti Vegetali” di Albino Crovetto è un esercizio di crudeltà sul ritratto, dove il volto è inglobato dentro lo spessore di fili di plastica riprodotti con lo scanner. Il lavoro di Renato Leotta è principalmente un'analisi sulle strutture e sulle condizione di sviluppo del linguaggio, in cui l'immagine fotografica è solo un punto di partenza. Vittoria Garibotti realizza un’installazione di fotografie prese con il suo telefonino, strumento e filtro ormai inevitabile della cultura visiva contemporanea. La riflessione che sta alla base del progetto fotografico performativo in cui Alessandro Ligato brucia le magliette indossate durante una settimana, è che qualsiasi giorno o momento dell'uomo lascia una sedimentazione, un segno nella persona. Anna Positano propone immagini di luoghi reali che grazie al ritaglio e alla composizione divengono astrazioni formali, pur rimanendo riconoscibili.

Rapallo Fotografia Contemporanea 2010
"Custodire la memoria"

Rapallo Fotografia Contemporanea 2008
"On the road, again"

Rapallo Fotografia Contemporanea 2007
"Il senso delle cose"

Rapallo Fotografia Contemporanea 2006

Il progetto Rapallo Fotografia Contemporanea, nato nel 2006 da un’idea del fotografo Andrea Botto, è promosso dal Comune di Rapallo, con il contributo ed il patrocinio degli enti pubblici locali ed il sostegno di alcuni sponsor privati. Unica nel suo genere in Liguria, la manifestazione ha il suo punto di eccellenza nella residenza di un artista internazionale, chiamato a produrre un nuovo lavoro, legato al territorio della Riviera Ligure di Levante, pubblicato in un libro monografico ed esposto nelle sale dell’Antico Castello. Ogni artista invitato dona alcune opere al Comune di Rapallo per la costituenda Civica Collezione di Fotografia Contemporanea.

RAPALLO FOTOGRAFIA CONTEMPORANEA_5

Antico Castello sul Mare
Lungomare Vittorio Veneto, Rapallo

15 gennaio – 13 febbaio 2011


Per Informazioni:
info@rapallofotografiacontemporanea.it